Estreno en España: 15 Febrero 2008
Puntuación: 
Sinopsis
Dan es un soldado que ha sido apartado del ejécito recientemente. Para escapar de su propia vida y de sus amigos, se refugia en el alcohol. Su novia Nicole, sin darse cuenta del estado de degradación de su relación, no encuentra el camino correcto para acercarse a Dan. Al mismo tiempo, Gaëlle busca de manera desesperada y sin éxito el amor. Su hermano Thierry, un agente inmobiliario, se siente muy atraído por su compañera de trabajo, Charlotte. Al igual que todos ellos, Lionel, que reparte su vida entre su enfermo padre y un trabajo como barman, intenta combatir su soledad.
Crítica de Cine.com
por Leo Aquiba Senderovsky
Alain Resnais, uno de los grandes maestros del cine francés, hace ya mucho tiempo se alejó por completo de sus grandes obras, como Noche y niebla, Hiroshima mon amour o El año pasado en Marienbad. Con el correr de las décadas, fue dando vuelta la página a los múltiples signos de vitalidad literaria y política plasmados en sus obras cumbres. Su interés se fue decantando por un cine narrativamente más convencional. En Corazones (tal la traducción del título original, mucho más sencilla y coherente que el título que recibió en España), comienza narrando una serie de historias paralelas y, a medida que estas comienzan a entrecruzarse, salen a la luz temas como la religión, el sexo y el pecado, siempre con la búsqueda del amor como tema central, y con una eterna nieve que, lentamente, va tomando protagonismo en la trama, hasta atravesar de raíz una de las últimas escenas. Resnais traza estas historias con finas pinceladas de un humor, por momentos, bastante corrosivo, y tiende a mirar las escenas desde arriba. El punto de vista cenital suele ser conflictivo para analizar, cuando se vuelve recurrente, puede escenificar un juicio que el autor emite sobre sus personajes. Resnais los mira desde esa ubicación pero se limita a mostrarlos con todas sus aristas, sin juzgarlos, y si bien los hombres del elenco se muestran más patéticos que las mujeres, el resultado final traduce la mirada certera y piadosa de un gran autor en las postrimerías de su carrera, sobre la tortuosa soledad del ser humano.
Dirección: Alain Resnais.
Países: Francia e Italia.
Año: 2006.
Duración: 123 min.
Género: Drama.
Elenco: Laura Morante (Nicole), Lambert Wilson (Dan), Sabine Azéma (Charlotte), Isabelle Carré (Gaëlle), Pierre Arditi (Lionel), André Dussollier (Thierry).
Guión: Jean-Michel Ribes; basado en la obra de Alan Ayckbourn.
Producción: Bruno Pésery.
Música: Mark Snow.
Fotografía: Eric Gautier.
Montaje: Hervé de Luze.
Diseño de producción: Jacques Saulnier, Jean-Michel Ducourty y Solange Zeitoun.
Vestuario: Jackie Budin.
Estreno en Francia: 22 Noviembre 2006.
Biofilmografía de Alain Resnais
Alain Resnais (Vannes, 3 de junio de 1922) es un director, montador y guionista de cine francés; junto a François Truffaut y Jean-Luc Godard, entre otros, fue una de las principales figuras de la Nouvelle vague (“Nueva ola”) del cine francés, que revolucionó el concepto del montaje y la fotografía.
Fascinado por el cine, desde pequeño —a los 14 años filmo su primer corto en 8 mm—, Resnais estudió en el Institut des Hautes études Cinématographiques de París. Comenzó su carrera, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, como montador para otros directores, mientras se abocaba a la dirección de cortometrajes sobre temas artísticos y sociales. En 1950 su atrevido corto sobre la vida de Vincent van Gogh (Van Gogh), que formaba parte de una serie de cortometrajes dedicados a temas de pintura, junto a “Gauguin” y “Guernica”, fue premiado con un Oscar; el uso de la narración en off anticipaba los recursos que Resnais desarrollaría en sus siguientes obras, entre ellas la también premiada Les statues meurent aussi, correalizada con Chris Marker, un ensayo fílmico sobre la interpretación colonialista de las obras de arte.
Volvió a trabajar con Marker en 1955 en un estudio sobre el Holocausto (Nuit et brouillard, “Noche y Niebla”) con texto de Jean Cayrol, quien había estado prisionero en un campo de concentración durante la guerra. El documental, de estética mesurada, no se concentra en el horror visceral de la guerra y el exterminio, como haría luego Shoah (1985), sino que explora, mediante el montaje de material de archivo, los medios que el régimen desarrolló para hacer invisible esta experiencia; la niebla del título alude tanto al sigilo con que tenían lugar las deportaciones a los campos como al voluntario velo que el pueblo alemán echó sobre la degradación a la que sus vecinos y compañeros fueron sometidos. El film es una verdadera joya pero, en su momento, pasó bastante desapercibido en los festivales en los que se pasó. También rueda un documental sobre la Biblioteca Nacional, “Toute la mémoire du monde” (1956). En 1958 rueda “Le chant du Styrène”, una visita a las fábricas Péchiney, en la que le sirvió de guía el novelista Raymond Queneau.
Antes de dirigir su primer largometraje, Resnais también había adquirido experiencia en el cine como montador para directores como Paul Paviot, Agnès Varda, François Reichenbach, François Truffaut, Jacques Doniol-Valcroze, William Klein y Nicole Védrés. La pareja de temas que habían ya motivado sus obras documentales —la guerra y la memoria— formaron también la base de su primer largometraje, Hiroshima, mon amour (1959), sobre guión de Marguerite Duras. En ésta obra, Resnais retoma el diseño no lineal de una obra de juventud, Ouvert pour cause d’inventaire; los hechos no se narran según el orden convencional de la cronología, sino que se evocan a través de los sucesivos recuerdos que dos sobrevivientes de la guerra van reviviendo gracias a un affaire sentimental. A la noción ya establecida de que la huella del pasado traumático es la que conforma el presente de los protagonistas, el montaje suma la sugerencia de que el pasado irrecuperable se modifica también por las experiencias posteriores, y asimila la fragilidad de la memoria a la de las víctimas del bombardeo de Hiroshima, cuya imagen se reitera a lo largo de la película. La técnica de montaje empleada para los flashbacks, usando breves planos que cortan el ritmo narrativo, se ha convertido en parte del repertorio estándar del lenguaje cinematográfico.
El premio de la crítica obtenido para Hiroshima, mon amour —empatada con Los 400 golpes, de Truffaut— marcó el comienzo de la época dorada de la Nouvelle Vague, que acapararía la escena internacional en los años siguientes junto al “free cinema” británico, que irrumpe también por entonces (“Sábado noche, domingo mañana”, “El ingenuo salvaje”, “La soledad del corredor de fondo”, “El animador”, “Mirando hacia atrás con ira”,…). El impacto del film contagia al público, que se sentirá fascinado por la narrativa y estética de la historia, en apariencia sencilla y desnuda, de este joven director. Dos años más tarde, Resnais obtuvo un nuevo éxito con L’année derniére à Marienbad (“El año pasado en Marienbad”), para la que Alain Robbe-Grillet adaptó libérrimamente la nouvelle de ciencia ficción “La invención de Morel” del argentino Adolfo Bioy Casares. En la narrativa experimental de la película, los decorados, los nombres y la condición de los personajes cambian siguiendo las variaciones de la memoria de dos amantes -sensacional Delphine Seyrig- identificados sólo por sus iniciales; la ambigüedad permea los ambientes, cuyas funciones son imprecisas pese a la suntuosidad del mobiliario, y la identidad y la historia de sus protagonistas, que parecen no poder ponderse de acuerdo acerca de si se conocían de antemano o aún de qué año es éste. La obra granjeó un prestigio duradero para Resnais, y es hoy un film de culto entre los cinéfilos a la par que una de las obras maestras del cine francés de los 60, pero también suscitó críticas por lo críptico de la trama y el rigor, juzgado pretencioso, con que se resistió a las fórmulas convencionales de la narrativa fílmica.
A lo largo de la década siguiente, el ritmo de producción de Resnais no disminuiría. En 1963, con Muriel —escrita por Jean Cayrol—, retomó los temas de sus películas anteriores pero alterando radicalmente el estilo fílmico. La confusión de los personajes —una mujer obsesionada con su primer amor, al que reencuentra sin casi reconocer, su hijastro, atormentado por una experiencia de tortura durante la guerra de Argelia cuya víctima era tocaya de su madrastra, y el amante de Muriel, que la utiliza para olvidar sus propios problemas— se refleja en sus constantes errores e incoherencias, pero también en un montaje frenético y abrupto. La película fue incomprendida por un público que salía confuso de las salas, y una parte de la crítica la consideró un paso atrás en la carrera del cineasta, pero vista ahora resulta una de sus mejores obras.
En 1966 produjo la que, engañosamente se considera su trabajo más asequible, La guerra ha terminado (“La guerre est finie”), que relata las vacilaciones ideológicas de un militante antifranquista y el progresivo cansancio (más bien vacío existencial) que pesa sobre su sin embargo impecable actividad en la resistencia. Empleando las técnicas de montaje no lineal por las que ya era famoso, y con guión de Jorge Semprún, que por entonces formaba parte del Comité Central del Partido Comunista de España, la obra tiene sin embargo un cariz más realista que las anteriores, y un ritmo de thriller al que había sido ajeno hasta ese momento; con ella volvió a obtener numerosos galardones críticos, y uno de sus mayores triunfos comerciales, en parte por la presencia en el reparto actoral del famoso actor y cantante Yves Montand junto a una de las musas de Ingmar Bergman (Ingrid Thulin).
1967 fue un año intenso, en el que además de un largometraje propio que presentaría al año siguiente Resnais se involucró en la producción de Lejos de Vietnam (“Loin du Vietnam”), un documental colaborativo sobre la guerra de Vietnam gestado por su antiguo colaborador Chris Marker, en el que participaron también Godard, Claude Lelouch, Agnès Varda, William Klein y Joris Ivens. Producido íntegramente por la Societe pour le Lancement des Oeuvres Nouvelles (SLON), que Marker creó a ese efecto, el documental marcaría tendencias que la insurrección estudiantil del año siguiente llevaría a la fama.
En 1968 Resnais sufrirá un rotundo fracaso de crítica y público con Te quiero, te quiero (“Je t’aime, je t’aime”), que se basaba en un guión original de Jacques Sternberg. Se trataba de una historia de amor futurista, de desiguales resultados pero con méritos artísticos nada despreciables y el sello de su director.
Tras el fracaso de “Te quiero, te quiero”, esperará hasta 1974 para rodar una película, Stavisky, sobre la vida de un conocido estafador (Alexandre Stavisky), para la que volvió a contar con Jorge Semprún como guionista. Pese a no carecer de interés, y a contar con un actor taquillero como Jean-Paul Belmondo, no obtuvo demasiada repercusión quizá por ser un “rara avis” dentro de la filmografía del reputado director.
En 1977 rueda en inglés Providence, basada en los relatos de Howard Phillips Lovecraft, en la que se plantea el tema de la memoria, la subjetividad y el olvido, contando con un elenco internacional de actores entre los que destacan Dirk Bogarde, John Gielgud, Ellen Burstyn y Elaine Stricht. El guión fue de David Mercer y, llevando la alinealidad al máximo, el film bordea el género surrealista en algunos momentos. Su película obtiene siete premios César, entre ellos el de mejor película y la Espiga de Oro de la Seminci de Valladolid, convirtiéndose en uno de los títulos más emblemáticos del cine de arte y ensayo de la década.
Rodará cinco largometrajes en esta década. El primero será Mi tío de América (“Mon oncle d’Amérique”), un ensayo en torno a las teorías del filósofo Henri Laborit, donde destaca un por entonces emergente Gérard Depardieu. A ella le seguirán en 1983 La vie est un roman, sin duda una de sus más desconocidas pero más valiosas obras; en 1984 L’amour à mort; en 1986 Mélo, que era una adaptación de la obra de teatro homónima de de Henry Bernstein, rodada con atractivo cast (Stéphane Audran, Sabine Azéma) en un estilo que algunos espectadores consideraron algo anticuado, y Quiero volver a casa (“I Want Go Home”), en 1989, basada en un guión del humorista estadounidense Jules Feiffer, en la que narraba las andanzas de un norteamericano en París.
En 1993 dirige Smoking y No Smoking, basándose en obras de Alan Ayckbourn. Obtuvo el León de Oro del Festival de Venecia en 1995 y el Oso de Plata en el Festival de Berlín en 1998. Ese mismo año, logró un sorprendente e inesperado éxito internacional con una comedia en clave musical que homenajeaba a los clásicos del género de los años 40 y 50 (On connait la chanson, “Conocemos la canción”), que obtuvo otra vez siete César, entre ellos el de la mejor película francesa.
Filmografía
* 1936: La aventura de Guy (L’Aventure de Guy)
* 1946:
o Boceto de una identificación (Schéma d’une identification)
o Abierto por inventario (Ouvert pour cause d’inventaire)
* 1947:
o Visita a Oscar Domínguez (Visite à Oscar Dominguez)
o Visita a Lucien Coutaud (Visite à Lucien Coutaud)
o Visita a Hans Hartnung (Visite à Hans Hartnung)
o Visita a Félix Labisse (Visite à Félix Labisse)
o Visita a César Domela (Visite à César Doméla)
o Van Gogh
o Retrato de Henri Goetz (Portrait d’Henri Goetz)
o La leche Nestlé (le Lait Nestlé)
o Día natural (Journée naturelle)
* 1948:
o Van Gogh
o Malfray
o Los jardines de París (les Jardins de Paris)
o Castillos de Francia (Châteaux de France)
* 1950:
o Guernica
o Gauguin
* 1952: Pictura
* 1953: Las estatuas también mueren (les Statues meurent aussi)
* 1955: Noche y niebla (Nuit et brouillard)
* 1956: Toda la memoria del mundo (Toute la mémoire du monde)
* 1957: El misterio del taller quince (le Mystère de l’atelier quinze)
* 1958: El canto del estireno (le Chant du styrène) (documental)
* 1959: Hiroshima mon amour
* 1961: El año pasado en Marienbad (l’Année dernière à Marienbad)
* 1963: Muriel
* 1966: La guerra ha terminado (La Guerre est finie)
* 1967: Lejos de Vietnam (Loin du Vietnam)
* 1968:
o Te amo, te amo (Je t’aime, je t’aime)
o Cinétracts
* 1973: El año 01 de Jacques Doillon (rueda la secuencia americana)
* 1974: Stavisky
* 1977: Providence
* 1980: Mi tío de América (Mon oncle d’Amérique)
* 1983: La vida es una novela (la Vie est un roman)
* 1984: Muerte al Amor (L’Amour à mort)
* 1986: Mélo
* 1989: I Want to go home
* 1991: Contra el olvido (Contre l’oubli)
* 1992: Gershwin
* 1993:
o Smoking
o No smoking
* 1997: On connaît la chanson
* 2003: En la boca no (Pas sur la bouche)